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Shakespeare e l'Opera -

Se l'ascesa di William Shakespeare sul teatro occidentale non si è estesa al palcoscenico dell'opera - un fatto spiegato dalla mancanza di librettisti congeniali a Shakespeare, dall'indifferenza letteraria dei compositori e dalle difficoltà legate alla messa in musica dei pentametri giambici - il canone di Shakespeare ha comunque stabilito stesso come uno dei grandi ispiratori delle opere. Questo è chiaro dalle 200 opere basate sulle opere di Shakespeare, circa una mezza dozzina delle quali sono tra i rari monumenti di successo operistico. È ulteriormente dimostrato da una serie ancora più estesa di riferimenti furtivi, momenti di altre opere che mostrano segni di inconfondibile somiglianza di famiglia shakespeariana senza alcun legame genealogico dichiarato con la loro fonte. Le opere di Shakespeare hanno così dato origine, fianco a fianco,a una discendenza lirica "legittima" e ad una diffusione operistica anonima, una storia registrata e non registrata di Shakespeare sul palcoscenico dell'opera.

The Singer Foure come "Hamlet", olio su tela di Édouard Manet, 1877;  nel Museo Folkwang, Essen, Germania.

Opera derivata da Shakespeare

La necessità di adattare la sregolatezza formale e i personaggi dalle molte sfaccettature del teatro di Shakespeare alla successione di recitativo e aria, scenari elaborati e altre convenzioni dell'opera rende l'adattamento di Shakespeare un affare pericoloso. La versione operistica di The Tempest (1756) dell'attore-manager David Garrick fu accusata di "castrare" l'opera originale di Shakespeare, mentre Lord Byron (in una lettera del 1818 al poeta Samuel Rogers) rimproverò il librettista di Gioacchino Rossini per aver "crocifisso" Otello (1816).

The Fairy Queen (1692) di Henry Purcell è solitamente soprannominata la prima opera shakespeariana. La sua musica, tuttavia, è limitata agli intermezzi all'interno di un breve Sogno di una notte di mezza estate . Solo in Dido and Aeneas (1689) Purcell ebbe la possibilità di scrivere musica per una tragica eroina di status mitico. L'unica vera opera di Purcell, scritta per un cast di ragazze, mostra distintamente influenze shakespeariane che possono essere tranquillamente ascritte al suo librettista, il poeta e drammaturgo Nahum Tate, che aveva familiarità con il canone. Tate ha costantemente "migliorato" Shakespeare per soddisfare i nuovi gusti del pubblico, l'istanza più famosa è stata il lieto fine che ha aggiunto a King Lear (Tate's King Leardel 1681 - in cui Cordelia non solo vive ma sposa Edgar - fu infatti l'unica versione ad essere presentata sulla scena inglese per i successivi 150 anni). Per Didone ed Aeneas , Tate ha effettivamente seguito Virgil abbastanza fedelmente, ad eccezione dell'aggiunta di due scene di streghe ispirate a Macbeth che complicano l'azione e introducono una notevole misura di dubbio sul ruolo del destino nelle decisioni di Aeneas; Mercurio qui diventa un semplice richiamo inviato dalle streghe per ingannare Enea con lo scopo generale di ferire Didone. Eppure questa aggiunta ha stabilito una dimensione shakespeariana che ha reso questa breve opera appropriata per l'uso come "commedia nella commedia" nelle esecuzioni di Misura per misurasul palcoscenico londinese nel 1700. In effetti, tali inserimenti di brani musicali nelle o dopo le opere di Shakespeare erano consuetudinarie nel XVIII secolo: la pastorale Aci e Galatea di George Frideric Handel , per esempio, fu eseguita a Drury Lane nel 1724 come postilla per La tempesta .

Opera seria e opera buffa

È allettante, per quanto riguarda la drammaturgia shakespeariana, notare che l'opera è nata a Firenze nel 1600, più o meno nel periodo in cui Amleto ha espresso per la prima volta le opinioni di Shakespeare sulla recitazione. Shakespeare ei teorici dell'opera hanno espresso preoccupazioni simili sul linguaggio e sulla performance. ( Vedi anche Nota a margine: Shakespeare on Theatre.) L'opera prosperò e Venezia iniziò ad aprire i teatri d'opera pubblici nel 1637; nel 1642 Puritan London chiuse i suoi teatri. L'opera italiana raggiunse Londra solo all'inizio del XVIII secolo, quando divenne subito una moda e divise il pubblico. Shakespeare è stato chiamato in questo concorso: il dramma "rude meccanico" da Sogno di una notte di mezza estate è stato trasformato in una caricatura dell'opera italiana in Richard LeveridgeUna maschera comica di Piramo e Tisbe (1716). Circa 30 anni dopo (1745), JF Lampe fece rivivere il libro come una "finta opera", completa di aria rabbiosa e un lieto fine artificioso.

Ancora più antagonistiche furono le reazioni all'opera italiana scritta su libretti shakespeariani. Di Francesco Gasparini Ambleto ( Amleto ), essendo stato svolto in tutta Europa, è stata presa a Londra nel 1712 dal celebre castrato Nicolini ma rapidamente scomparso dalla scena. Rosalinda (1744) di Francesco Maria Veracini - Come vi piace messo in scena come un educato pastorale italiano e scritto per un cast di soprani femminili e castrato - ha subito la stessa sorte. Gli equivoci , un'opera buffa dell'unico discepolo inglese di Wolfgang Amadeus Mozart, Stephen Storace, presenta un caso diverso. Scritto su libretto di Lorenzo Da Ponte (molto nello spirito del suo - e di Mozart - Le nozze di Figaro) e accolto favorevolmente nel 1786 al Burgtheater di Vienna (ora Hofburgtheater) e in tutta la Germania, Gli equivoci , che è l'unica ambientazione conosciuta della Commedia degli errori , fu considerato troppo "mozartiano" e non arrivò mai a Londra.

Altri, come JC Smith e il già citato David Garrick, usarono e sfidarono la moda operistica italiana. Mentre la loro opera su The Tempest , così come The Fairies (1755), dove il prologo attribuisce scherzosamente la paternità a un "Signor Shakespearelli", furono scarsamente accolte, il libro di Garrick Tempest fu ripreso con successo nel 1777 con la musica del notevole Thomas Linley (1756 –78). Per tutto il XVIII secolo, The Tempest , come Sogno di una notte di mezza estate , non è mai stato effettivamente eseguito se non come intrattenimento musicale.

Dopo la fine del secolo, i compositori di opera buffa (come Antonio Salieri) e singspiel tedeschi (come Carl Ditters von Dittersdorf) hanno rivolto i loro occhi alla vena più farsesca di Shakespeare. Nel 1849 Otto Nicolai, avendo dichiarato che solo Mozart poteva rendere giustizia a Shakespeare, scrisse un'opera di successo su Die lustigen Weiber von Windsor ( Le allegre comari di Windsor ). Der Widerspenstigen Zähmung di Hermann Goetz (1874; The Taming of the Shrew ) fece innamorare Kate di Petruchio quasi a prima vista, trasformando l'antieroina sicura di sé di Shakespeare in un'isterica hochdramatisch del XIX secolo.

Donne dal teatro all'opera

Il crepuscolo dell'opera seria e l'avvento dell'opera romantica sono incarnati dall'emergere della prima donna e dalla conquista femminile della regione del soprano precedentemente dominata dal castrato. I ruoli femminili di Shakespeare, poiché erano interpretati da ragazzi, erano di solito meno sviluppati dei suoi ruoli maschili; con le notevoli eccezioni di Rosalind (in Come vi piace ) e Cleopatra (in Antonio e Cleopatra ), i ruoli femminili di Shakespeare erano molto meno significativi. Ma il primato ottocentesco del soprano si estende a molti altri ruoli femminili shakespeariani, trasformandoli in parti principali.

L' Otello di Rossini (1816), la prima opera seria con un finale tragico, mette in equilibrio tre tenori - Iago (il cattivo), Rodrigo (l'amante rifiutato) e Otello (l'intruso) - contro una Desdemona assediata che li supera tutti - e lei basso padre, Brabantio, tanto per cominciare. Seguendo la "traduzione" francese del XVIII secolo di Otellodi Jean-François Ducis, Rossini sostituisce il fazzoletto, quel pezzo di lingerie femminile incredibilmente intimo, con la lettera più accettabile, mal consegnata e senza indirizzo della commedia italiana. I poeti francesi Victor Hugo e Alfred de Vigny hanno preso in giro senza fine questo "miglioramento", ma il pittore Eugène Delacroix è rimasto così colpito da questa lettura che i suoi dipinti mostrano Desdemona, non Otello, come protagonista. La maggior parte dell'azione nei primi atti è infatti forzata nello stampo dell'opera seria convenzionale. Contiene arie di bravura per tutti i solisti e finali drammatici che solo lontanamente si riferiscono alla sottile progressione della narrativa shakespeariana. Contrariamente alla versione teatrale, che viaggia da Venezia a Cipro e coinvolge personaggi della vita bassa come prostitute e gabbiani, l'intera opera è ambientata in magnifici palazzi di Venezia,organizzare scambi per lo più educati tra membri di un'unica classe nobile di individui governati da passioni accettabili. Tuttavia, nell'atto finale di quest'opera fondamentale, Rossini ha introdotto una citazione da DanteInferno , cantata da un gondoliere di passaggio, che spinge Desdemona a cantare un'elaborata Willow Song che accompagna con la sua arpa, seguita da una preghiera molto commovente, che conduce alla scena del delitto e ad una conclusione concisa. Otello è l'unica opera di Rossini a finire in questo modo, e l'influenza di quest'ultimo atto sull'opera del XIX secolo si è dimostrata duratura e di vasta portata.

L'appassionato “Shakespearien” Hector Berlioz ha messo i soprani in primo piano nella sua ultima opera, Béatrice et Bénédict (1862), basata sulla sottotrama “guerra allegra” di Molto rumore per nulla . Shakespeare fu un'ispirazione infinita per Berlioz, in particolare nella sua sinfonia corale Roméo et Juliette (composta nel 1839). Romeo e Giulietta si è dimostrato uno dei preferiti di tutti i tempi dai compositori d'opera, suggerendo più di 20 versioni. In adattamenti di compositori come Nicola Antonio Zingarelli e Nicola Vaccai, la parte di Romeo è cantata da un mezzosoprano, con disapprovazione di Berlioz, che ha preferito, per questo e altri motivi, Roméo et Juliette di Daniel Steibelt (1793). I Capuleti, veicolo delle celebri sorelle Grisi (Giuditta e Giulia), privilegiarono gli ensemble femminili e conquistarono il pubblico nel duetto finale degli innamorati con un tempestivo risveglio di Giulietta, finale reso popolare da Garrick. Juliette è una sofisticata coloratura nell'opera di Charles Gounod del 1867 (definita da Rossini "un duetto in tre parti: una prima, una durante e una dopo"), sovrasviluppata, come l'Ophelia of Ambroise Thomas's Hamlet (1868), a scapito di partner maschi. Altri esempi di quella tendenza sono l' Amleto (1822) di Saverio Mercadante , dove la parte di Amleto è cantata da una donna, e un'opera verismo ribattezzata Giulietta e Romeo (1922) di Riccardo Zandonai.

Il corteo nuziale della prima a Parigi della versione del 1888 dell'opera Roméo et Juliette di Charles Gounod, con Jean de Reszke e Adelina Patti, da L'Illustration, 1888.

I libretti di Gounod e Thomas sono stati scritti dal team di successo di Jules Barbier e Michel Carré, che insieme e separatamente o con altri hanno scritto i libretti di alcune delle opere francesi più longeve. La trama del Roméo et Juliette di Gounod è abbastanza fedele all'originale, eliminando molti personaggi secondari e ampliandone altri (la pagina Stefano, ad esempio, che è senza nome nella tragedia di Shakespeare, ha un'aria memorabile). Il principale allontanamento dalla trama originale è ancora una volta il risveglio di Juliette giusto in tempo per un patetico duetto con Romeo prima che entrambi muoiano, implorando il perdono di Dio per il loro suicidio non cristiano.

L'opera, che inizia con la scena del ballo ai Capuleti, sovrasta diversi episodi, tra cui la prima apparizione di Giulietta, la rivelazione (da parte di Tebaldo piuttosto che della sua nutrice) dell'identità di Romeo a Giulietta e la finta morte di Giulietta, che si verifica proprio come suo padre l'ha presa per un braccio per condurla alla cappella per sposare Paris. In breve, possedeva tutti gli ingredienti per il successo ed è stato un successo immediato. È rimasto in repertorio insieme a Faust , l'altro adattamento di Gounod da un capolavoro letterario.

All'inizio degli anni '90 Thomas's Hamlet, dopo un lungo periodo di abbandono, ha ripreso ad essere eseguito da celebri cantanti su prestigiosi palchi e ad essere registrato. L'opera pone Amleto soprattutto contro Gertrude, sua madre e la sua amata Ofelia, ma offre anche spunti interessanti sulle questioni politiche che turbavano la Francia al momento in cui fu scritta, due anni prima della fine del Secondo Impero: Gertrude sa tutto di l'assassinio del suo ex marito da parte di Claudio (il suo attuale marito), e Amleto rifiuta Ofelia solo quando si rende conto che Polonio è stato complice dell'atto. Nella scena della “trappola per topi” l'Amleto apparentemente folle strappa la corona dalla testa di Claudio, provocando un finale di proporzioni epiche, mentre la Corte commenta questo atto di lesa maestà. Nella scena finale, al cimitero, il fantasma del padre di Amleto appare per la terza volta,visibile a tutto questo tempo, chiedendo l'intervento di Amleto, che uccide immediatamente il re Claudio, restituendo così legittimità al trono e portando stabilità al suo tormentato Paese. L'opera si conclude al suono della gente che grida “Vive Hamlet! Vive notre roi! "

In Das Liebesverbot (1836), l'unica opera di Shakespeare di Richard Wagner e l'unica ambientazione esistente di Misura per misura , il ruolo del Duca è interamente devoluto a Isabella, che ama segretamente il libero pensatore Lucio. Le esecuzioni originali furono un completo fallimento e il pezzo quasi scomparve dal repertorio. Alcune esibizioni tra la metà e la fine del XX secolo, così come le registrazioni, tuttavia, hanno salvato il lavoro dall'oblio totale e hanno fatto luce sugli anni formativi di Wagner, quando stava ancora cercando di scrivere musica mainstream.

Per quanto riguarda il ruolo di primo piano del soprano nel Macbeth di Giuseppe Verdi (1847), è dovuto allo stesso Shakespeare: Verdi ha semplicemente riconosciuto che i soliloqui di Lady Macbeth si leggono esattamente come gli assoli dell'opera. La sua istruzione di "non cantare affatto" è ripresa in Macbeth (1910) di Ernest Bloch , dove l'orchestra suona la parte principale, fornendo contrappunto, profondità e tragica ironia che le voci da sole non possono trasmettere. Come l' Amleto di Thomas , il Macbeth di Verdi riflette la situazione politica nella patria del compositore in più di un modo: all'autorità tirannica degli usurpatori si oppongono gli esuli scozzesi che invocano la libertà. Il coro dei Profughi Scozzesi è un'eco di "Va, pensiero", il famoso coro del Nabucco che divenne un inno nella lotta per l'unità italiana, spingendo il nome di Verdi a diventare l'acronimo del motto "Vittorio Emmanuele, Re d'Italia".

L' Otello di Rossini è stato salvato dalla memoria di Shakespeare, come diceva Stendhal. Gli adattamenti del ventesimo secolo oscillarono nella direzione opposta: in Amleto (1961) di Mario Zafred o Der Sturm (1956) di Frank Martin , la musica parlante ingombra le parole di Shakespeare; letture letterali di Reynaldo Hahn (1935) e Mario Castelnuovo-Tedesco (1961) hanno prodotto due versioni sproporzionatamente lunghe de Il mercante di Venezia .

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