Con la sua esposizione dinamica di abiti, fotografie e schizzi ad acquerello, la mostra del 2013 Stephen Burrows: When Fashion Danced , al Museum of the City of New York, è stata all'altezza del suo nome e ha rappresentato un ottimo esempio di moda come performance art. Manichini in posa cinetica, vestiti nello stile inconfondibile di Burrows - una tavolozza strabiliante, motivi colorati e orli svolazzanti con bordi a lattuga - evocavano i passi di danza ad alta energia della scena dei club degli anni '70. L'effetto è stato tanto una performance quanto un'installazione, e all'apertura costellata di stelle, l'iconico modello Iman ha espresso la sua assoluta gioia che i risultati di Burrows nella moda fossero celebrati in un museo.
I vestiti, una volta considerati artefatti culturali o esempi di artigianato, sono diventati al centro delle mostre dei musei quando Diana Vreeland ha lanciato la tendenza. Nel 1972 l'ex direttore delle riviste Vogue e Harper's Bazaar prese le redini del Costume Institute del Metropolitan Museum of Art (il Met's) di New York City. Le sue mostre spettacolari, concepite con tutto il fascino di un servizio fotografico patinato, hanno trasformato una collezione accessoria in un'attrazione di alto profilo, attirando folle senza precedenti e donazioni di alta moda moderna e contemporanea da generosi mecenati, offerte che hanno trasformato i possedimenti storici. Sotto la guida di Vreeland, l'appello popolare della moda rinvigorì la nozione stantia di costume storico.
Negli ultimi dieci anni mostre come "Dangerous Liaisons" (2004) del Met, un'installazione di stravaganti abiti del XVIII secolo nelle stanze d'epoca francesi, hanno innalzato lo status e il profilo dell'abbigliamento nelle collezioni dei musei. Inoltre, nel 2011 la retrospettiva di moda "Alexander McQueen: Savage Beauty" ha battuto i record di partecipazione al Met per una mostra di moda presso il suo Costume Institute e ha ridefinito la moda in termini di belle arti. Un numero senza precedenti di mostre nel 2013 includeva l'abbigliamento, sia storico che alla moda, come parte del concetto chiave. Il Met è stato uno dei tre musei a montare "Impressionism, Fashion, and Modernity", che ha presentato abiti autentici installati accanto a dipinti per celebrare il ruolo della moda nella Francia di fine Ottocento, e il Met ha messo in scena "Punk: Chaos to Couture,"Un'esplorazione del punk come fenomeno culturale che offusca il confine tra arte, vita di strada, stile di vita e moda. Un altro spettacolo è stato "Le apparenze possono essere ingannevoli: gli abiti di Frida Kahlo", presso la Casa Azul (ex casa del pittore a Città del Messico), in cui il suo guardaroba non ortodosso è stato presentato come parte della sua pratica artistica.
Un corrispondente abbraccio della moda è stato visto nell'arte contemporanea. L'artista belga Isabelle de Borchgrave si è ispirata ai ritratti di maestri del Rinascimento come Botticelli e Bronzino, così come ai classici design couture di Mariano Fortuny e Christian Dior per le sue splendide sculture di indumenti a grandezza naturale; ogni caratteristica, decorativa o strutturale, è stata meticolosamente resa in carta. Le tute sonore a corpo intero di Chicagoan Nick Cave hanno unito la mascherata con la scultura indossabile. Il mezzo preferito dell'artista britannico-nigeriano Yinka Shonibare era il tessuto batik double-face realizzato dall'azienda olandese Vlisco, da cui realizzava capi di ispirazione storica. Il tessuto Vlisco fu creato per la prima volta nel 1846 come alternativa manifatturiera alla tecnica laboriosa del batik indonesiano di cera. È stato poi commercializzato nell'Africa occidentale e centrale,dove è diventato popolare tra l'élite locale. Shonibare descrive il tessuto come "ibrido" e la complessità delle sue origini aggiunge un peso simbolico e una bellezza ai suoi quadri provocatori.
Tra i giovani artisti americani, la moda ha fornito più dell'ispirazione o dell'iconografia; in termini di identità ed estetica, era parte integrante della loro arte. Per vestire sculture morbide come This Yellow Shell (2013) e Soul Elsewhere(2013), Shinique Smith, con sede a Brooklyn, ha manipolato magliette, jeans e scarpe da ginnastica. La strana mutazione di indumenti familiari accresceva la potente forza vitale delle sue forme sinuose. Kehinde Wiley si è ispirato a rinomati dipinti europei, ma come si vede negli otto ritratti nella sua mostra del 2013 "Memling", ha sostituito i santi e i borghesi fiamminghi splendidamente vestiti di Hans Memling con giovani uomini afroamericani vestiti nell'aggressivo stile urbano dell'hip-hop e Cultura di strada di New York. Delano Brown aveva così pienamente incorporato la moda nella sua arte che dipinse motivi floreali su abiti indossati da modelli dal vivo durante la sua mostra alla Smart Clothes Gallery nel Lower East Side di Manhattan. Brown ha affermato che il suo metodo - in parte performance e in parte produzione - ha reso l'arte accessibile, osservando che a differenza di una "tela da 50.000 dollari,"Un capo di abbigliamento" è qualcosa che tutti capiscono. "
Nella recensione del critico Holland Cotter di "White Petals Surround Your Yellow Heart", una mostra collettiva del 2013 (tenutasi presso l'Institute of Contemporary Art di Philadelphia) che ha esplorato la premessa che "indossi quello che sei", ha salutato il fatto che "il la moda come arte "era diventata" disordinata e confusa ". Poiché i confini che una volta dividevano la moda e l'arte erano diventati completamente permeabili, gli stilisti sono diventati sempre più rilevanti come presenza nel mondo dell'arte. Ad esempio, lo stilista Karl Lagerfeld, che si era assicurato una reputazione come fotografo esperto, nel 2013 ha allestito una mostra di "Incisioni di fuoco", immagini retroilluminate a parete incise a fuoco su vetro, nella Galerie Gmurzynska a St. Moritz, in Svizzera . Sempre nel 2013, il designer di accessori Reed Krakoff ha ricevuto un premio del Whitney Museum of American Art. Per celebrare l'evento ha arruolato diversi artisti,in particolare lo scultore e incisore Kiki Smith e la fotografa Nan Goldin, per aiutarlo a creare versioni personalizzate della sua famosa borsa tote Reed Krakoff Track; le borse sono state esposte alla cerimonia di premiazione e poi rese disponibili per l'acquisto nel negozio di souvenir.
Recentemente, nel 2007, i progetti di Damien Hirst per Levi's e Takashi Murakami per Louis Vuitton (esposti in un negozio di souvenir incorporato in una retrospettiva del suo lavoro al Museum of Contemporary Art di Los Angeles) hanno acceso un acceso dibattito critico sul rapporto tra belle arti e consumismo . Nel 2013, tuttavia, tali prodotti progettati da artisti non erano solo desiderati dai consumatori, ma anche recensiti dalla critica. Inoltre, le commissioni per i prodotti - e la pubblicità che hanno generato - erano ricercate con impazienza dagli artisti. Gli artisti di strada Retna, Aiko e il team gemello Os Gemeos hanno creato grintosi graffiti per le lussuose sciarpe e stole di seta di Louis Vuitton. La linea di abbigliamento maschile autunno-inverno di Vuitton mostrava un completo dalla testa ai piedi realizzato dai fratelli Chapman (Jake e Dinos).Il loro motivo "Garden in Hell" presentava un tessuto decorato con rami intrecciati, fiori e animali stilizzati su uno sfondo rosso sangue ispirato all'appartamento di Vreeland a Manhattan. La casa di moda di Alexander McQueen ha scelto Hirst per creare una nuova edizione della sciarpa con teschio del defunto stilista per celebrare il 10 ° anniversario dell'introduzione della linea di sciarpe di McQueen; Hirst ha ricreato gli insetti, le farfalle ei ragni accattivanti della sua serie Entomology del 2009 come equipaggiamento strisciante sui teschi caratteristici di McQueen.Hirst ha ricreato gli insetti, le farfalle e i ragni accattivanti della sua serie Entomology del 2009 come equipaggiamento strisciante sui teschi caratteristici di McQueen.Hirst ha ricreato gli insetti, le farfalle ei ragni accattivanti della sua serie Entomology del 2009 come equipaggiamento strisciante sui teschi caratteristici di McQueen.
I designer si sono rivolti a lungo alle arti per trovare ispirazione, in particolare come si vede nell'abito Mondrian a blocchi di colore di Yves Saint Laurent (1965) e nella sua linea Pop art (1966), che presentava applicazioni grafiche di cuori e volti. McQueen ha trasportato lo studio sulla passerella durante la sua sfilata primavera-estate del 1999 quando ha evocato due robot che spruzzano vernice per trasformare No.13, un abito di mussola senza spalline indossato dalla modella Shalom Harlow mentre ruotava su un giradischi, in un nero e giallo pittura astratta. Nelle collezioni dell'autunno 2013, diversi stilisti hanno reso omaggio al lessico storico-artistico: Maria Grazia Chiuri e Pier Paolo Piccioli hanno rivisto le silhouette ei tessuti di lusso della ritrattistica fiamminga in prêt-à-porter per Valentino. L'arte bizantina adattata dai mosaici situati nella città di Ravenna, in Italia, ha abbellito gli ensemble di Dolce e Gabanna,che erano accessoriate con piccole corone d'oro. Il designer Raf Simons ha preso l'artista Andy Warhol come sua musa ispiratrice nell'ideare divertenti motivi grafici per Dior. Tuttavia, sono stati Viktor & Rolf a unire perfettamente design e prestazioni. Sono tornati alle loro radici nella couture per la loro sfilata per il 20 ° anniversario a Parigi, creando capi avvolgenti in opulenta lana nera opaca. Ogni modella è entrata lentamente in passerella, si è fermata e si è abbassata a terra in una posa che ha trasformato il suo corpo vestito in scultura. I tableaux collettivi mozzafiato, che evocano le forme semplici ma emozionanti delle rocce disposte deliberatamente in un giardino di meditazione Zen, hanno messo a tacere la fastidiosa domanda sui confini tra arte e moda. Rifiutando la differenza tra arte concettuale e fashion design, Viktor & Rolf ha ridefinito la moda come arte performativa.
